lunes, 23 de marzo de 2015

Inauguración de la EXPOSICIÓN ALTERNATIVA DE INDUMENTARIA VALENCIANA (Parte I)

A tan sólo unos días de que la Exposición Alternativa Indumentaria Valenciana sea clausurada, recordamos esos momentos tan especiales que compartimos con muchos de vosotros el día de la inauguración. Gracias a familiares, amigos, fotógrafos, bloggers y compañeros de estudios y/o profesión porque sin vuestro apoyo no hubiese sido posible llevar a cabo este arriesgado proyecto.


 [ Fotografías realizadas y cedidas por YASS ]

viernes, 20 de marzo de 2015

COLABORADORES | Escenografía con J. DARÍO MARTOS

J. Darío Martos es un joven arquitecto, escaparatista y escenógrafo valenciano que actualmente se dedica a la bisutería en una tienda del centro histórico de Valencia. Siempre interesado por el arte en todas sus vertientes, el leitmotiv es su principal herramienta de creación y que vincula a todas sus actuaciones profesionales.

Si deseas que tus sueños 
se hagan realidad, ¡despierta!” Ambrose Bierce

¿Cuáles son las principales tareas del escenógrafo? Hay que pensar en una exposición como un escaparate, es decir, hay que "vender" algo. En este caso no hablamos de vender un producto o un servicio, sino una idea; una idea que acompañará al visitante desde que entre hasta que salga de la misma y es la imagen que se llevará a su casa. El escenógrafo debe transmitirla sin usar palabras, sólo con elementos y distribuciones. El montaje ha de ser suficientemente cuidado, siendo coherente con la exposición, pero también discreto para no competir con las piezas expuestas. Es una búsqueda del equilibrio y la comunicación.


¿Cómo y por qué decidiste a unirte al proyecto de la Exposición Alternativa de Indumentaria Valenciana? Una de las diseñadoras me lo comentó y me pareció un proyecto muy interesante. En cierta manera, era un pequeño reto tanto por la ambiciosa ideación como por el limitado presupuesto. La verdad es que no cuesta mucho convencerme para cualquier sarao, así que casi fui yo personalmente quien pidió que contaran conmigo para el proyecto. 

¿Cómo es el proceso desde que su creación hasta el montaje? Depende muchísimo de las dimensiones de la escenografía. No es lo mismo el montaje requerido para una exposición con vitrinas de piezas grandes que uno en el que te tienes que encargar básicamente de las cartelas y algunos pocos detalles más. Hay que tener muy en cuenta dónde se realizan las piezas, qué capacidad de transporte se tiene y en cuánto tiempo y cómo pueden montarse en el lugar. La parte práctica es vital: si pierdes de vista en algún momento los medios y recursos de los que dispones, dará igual que el concepto sea genial si no puedes adaptarlo a los mismos. Teniendo en cuenta todo esto, el montaje es mecánico y simple.

¿Qué materiales utilizaste en la composición y distribución de los elementos en el espacio? ¿Qué idea o imagen querías aportar a los vestidos expuestos? La inspiración principal para este montaje fue la dedicación al trabajo en la huerta valenciana. Es por ello que la madera se presenta desnuda, recordando a los cañares de l'Albufera o al socorrido pi de riu que bajaba antiguamente por el río. La cuerda recuerda al cáñamo o al esparto que tradicionalmente se ha trabajado en nuestras comarcas desde en cestas a espardenyesPara que el referente fuera directo y al ser los postes ligeramente inestables, dimos solución a un caso práctico sin renunciar al concepto: decidimos llenar las cestas de las bases con naranjas. Además, se dispone un corcho en la pared mostrando que los trajes no surgen de la nada pues todo es un proceso complejo y lleno de decisiones, a veces contradictorias. Personalmente me atrae ese conflicto, ese proceso de deliberación, de  un paso adelante y dos atrás que conlleva todo trabajo creativo.
Por supuesto, la imagen se desvincula de los vestidos. Tener tal diversidad de colores, texturas y estilos hubiera hecho impracticable una escenografía particular para cada uno. Había que buscar unos elementos unificadores, que tuvieran presencia pero que fueran neutros y discretos. 


¿Cuáles son tus inquietudes como arquitecto y/o diseñador de espacios? Los arquitectos, interioristas, escenógrafos y todos aquellos que trabajamos con el espacio (adoro esa denominación moderna de artes espaciales) debemos tener en cuenta, antes que nada, que el objetivo último de nuestra obra son las personas y su comodidad tanto estética como práctica. Y es ahí donde denoto su relación con el diseño de moda. Ninguna de las disciplinas de las llamadas artes aplicadas pueden olvidarse del usuario último, porque aparte de la estética requieren un uso.
Esto que parece tan banal y básico, ha ido desapareciendo de la arquitectura y del urbanismo, mis campos de trabajo e investigación. Las ciudades ya no son de las personas, son de los coches. Las casas ya no son de la gente, son de la rentabilidad inmobiliaria. Los equipamientos públicos ya no son de la ciudad, son del ego de los arquitectos que los realizan. Hay que volver abajo, hay que darse cuenta de que no podemos perder de vista a la gente, a sus emociones, a su vitalidad y sus conexiones con lo que está viendo o viviendo.
La capacidad de sorpresa, de sueño, de enamoramiento. Ese momento en el que entras en una casa de los años veinte y sólo puedes decir wow. Cuando entras en una pequeña ermita construida hace mil años perdida en la montaña y sólo te sale wow. Visitando el Taj Mahal y diciendo wow. Ésa emotividad, esa relación entre el corazón del usuario y el del espacio construido es lo que me interesa y motiva.

¿Tienes algún proyecto entre manos actualmente? Como proyecto personal estoy llevando una tienda de bisutería y como arquitecto o "artista espacial" una serie de pequeñas propuestas urbanísticas en mi pueblo natal, Silla.

viernes, 6 de marzo de 2015

¡Inauguración!

Muchos meses de preparación, largas semanas de trabajo, intensos días de montaje. Esta tarde, esa pequeña locura creativa que unió a siete diseñadoras de estilos tan dispares, será una realidad... ¡y queremos celebrarlo contigo!

Hoy, 6 de Marzo de 2015 a las 18:30 horas
MADAME MIM Calle Puerto Rico, 30 (Barrio Ruzafa) Valencia

lunes, 23 de febrero de 2015

Acabados con HAPPY GOTH

Diana Gurrea tuvo siempre claro que quería dedicarse al mundo de la moda. Pasó su infancia dibujando vestidos y haciendo prendas a sus muñecas con la vieja máquina de coser de su madre. Después estudió diseño de moda en la EASD y, una vez acabados los estudios, decidió crear sus propias prendas bajo el nombre de Happy Goth, una marca enfocada al estilo Lolita.

Una moda imaginativa y teatral 
donde los sueños forman parte de la realidad

¿Qué es el estilo Lolita y por qué te decidiste por él? El Lolita es una subcultura que nació en Japón en la época de los 90 y que actualmente tiene adeptas por todo el mundo. Este estilo de moda reinterpreta la indumentaria de siglos pasados como el XVIII – XIX bajo el prisma de la inocencia y la vuelta a la feminidad; todo lo contrario a la definición que le damos en occidente. Me interesé por el Lolita porque te permite transportarte a otras épocas a través de la ropa y porque además es una moda muy imaginativa y teatral donde los sueños forman parte de la realidad.


¿A quién o quienes va dirigido este estilo? Me gusta pensar que cualquiera puede llevar una prenda Lolita. Si te gusta esta moda debes intentar probarla, ¿quién lo prohíbe? Se tiende a pensar que este estilo es solo para gente muy joven pero es un error muy común: el Lolita pretende rescatar el gusto por la indumentaria antigua y la elegancia de antaño, son las mujeres adultas las que suelen usarlo.

Además del Lolita, ¿te dedicas ha hacer otro tipo de vestuario? Sí, siempre me ha gustado mucho la indumentaria valenciana, he vivido las Fallas desde niña, y ahora estoy realizando vestidos de fallera por lo que estoy muy contenta y aunque en un principio Happy Goth se dedicaba solo al Lolita también hago todo tipo de encargos siempre que me motiven. Además de sesiones de fotos en las que trabajo como estilista.

¿Dónde podemos ver las creaciones de Happy Goth? Podéis encontrarme a través de mi Facebook personal como Diana Gurrea y en la página de Happy Goth. También tengo una tienda online en Storenvy con el mismo nombre.



¿Cuál es tu implicación en este proyecto? Tuve la idea de la exposición el año pasado y junto con Mónica empezamos a desarrollarla, buscamos a las otras diseñadoras y las “pringamos” (risas) por así decirlo siguiendo hasta el final todas trabajando mano a mano. Estoy muy agradecida a todas y cada una de ellas. Y además muy orgullosa de poder contar con su apoyo y esfuerzo día tras día.

¿En qué te inspiraste para crear el vestido de la exposición? Siempre suelo hacer mis propios estampados en los vestidos porque me gusta la originalidad y la exclusividad. Este vestido en concreto se inspira en varios elementos: por un lado los diseños florales típicos del siglo XVIII, por otro los monumentos más antiguos de la cuidad de Valencia y por último los fuegos artificiales y la pirotecnia tan presente en nuestras fiestas. 

domingo, 1 de febrero de 2015

Confección con ARYANNA CHTK

Aryanna es una diseñadora de lejanas tierras del Este formada en España: Grado Superior de Patronaje en Barcelona y Diseño de Moda en la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Valencia. Su pasión por costura le acompaña a lo largo de toda la vida, siendo un hobby y a la vez su profesión.

La ropa es nuestra segunda piel, 
nuestra máscara y nuestra esencia

¿Cómo acabaste en Valencia dedicándote al diseño de la moda? Llegué a Valencia hace ya más de tres veranos, en búsqueda de una educación especializada en diseño. Fue un momento clave en mi vida, pues decidí haber dejado mi carrera profesional en el sector de Turismo y dedicarme plenamente a aquello que fue mi afición desde la infancia, convirtiéndola en la razón y el sustento de mi vida.



¿Qué tipo de prendas sueles diseñar? Me gusta experimentar tanto con el patronaje como con técnicas de costura. Pero es cierto que mi línea principal son diseños ambientados en siglos XVIII y XIX. Todo empezó con un evento de Anacrónicos Recreación Histórica celebrado en Valencia a finales de verano de 2011, al que fui invitada. Lo que en principio pareció un experimento más, acabó llamándome la atención y no he parado mis investigaciones en este campo hasta ahora. Ya no es sólo vestuario, sino la forma de vida, la manera de ver la ropa. El prêt-à-porter no existía aún y encargar una prenda suponía una decisión seria. A veces lamento esta facilidad con la que llenamos el armario la gente actual, pues deja de tener igual valor que antaño.

Sabemos que también trabajas con el estilo steampunk. ¿Podrías definir la diferencia entre éste y la recreación histórica? Son estilos muy distintos, aunque uno beba del otro. Steampunk se ambienta en un período de historia muy concreto, época de gobierno de Victoria de Inglaterra. Es el momento de grandes descubrimientos, la Segunda Revolución Industrial, las influencias orientales en moda y arte. El estilo nace como un producto de obras literarias y pronto sugiere una estética muy concreta. Si la recreación histórica como bien dice su nombre busca reproducir en su más mínimo detalle la moda de la época, sea Victoriana, Rococó, o la de Antigua Roma; Steampunk pretende extraer la esencia de la segunda mitad del siglo XIX, maquillándola con toques retro-futuristas y poniendo un especial acento en complementos de maquinaria. Corsetería, cuero, tonos marrones o apagados, detalles metálicos de cobre o latón, aplicados tanto a la ropa de civil como uniformes militares podrían ser elementos presentes pero no indispensables de este estilo.

Colaboraciones y/o proyectos actuales y dónde podemos ver tus diseños. Desde hace más de dos años trabajo con Somnii Artifex en su empresa de bisutería y complementos. Es un artesano increíble que ha descubierto para mi el mundo Steampunk y me ha inspirado para empezar en campos tan complejos como corsetería o tocados. Algunos de mis diseños los podéis ver en su tienda que se encuentra en pleno centro de Valencia. Sin embargo la mayoría de las prendas que realizo son encargos personalizados, hechos o bien para recreación, teatro, o bien para Roles en Vivo, pues es un mercado tan amplio como exigente que busca no solo un elaborado diseño sino comodidad y durabilidad de la prenda. Y por supuesto podéis ver mi trabajo en redes sociales.


¿Qué es moda para ti: arte o artesanía? Ambas cosas. Primero porque creo que moda es la expresión tanto del propio diseñador como de la persona que lleva la obra. Con una prenda eres capaz de exteriorizar tus sentimientos pero a la vez los evocas hacia ti. No me atrevo a decir que nuestra apariencia es casi la mitad de lo que somos. Y la ropa juega un gran papel en ella. En el teatro no reconocemos a los personajes solo por una buena actuación sino por su imagen. El vestuario más barroco o uno completamente anodino nos puede contar su historia por igual.
Y artesanía, por el amor a los detalles, por la delicadeza de creación donde cada pieza, por muy pequeña que sea, importa. Desde el boceto hasta coser el último ojal, afecta tanto la elección de los materiales, como las técnicas usadas. Un traje no está completo sin esta dedicación.

¿Qué es lo que más te ha interesado del proyecto al nivel personal? Sin duda que para mí fuera un reto. El traje valenciano tiene una larga y rica historia y un buen diseñador precisa conocer toda la evolución de la prenda, para luego poder modificar y adaptarla a un estilo distinto, sin perder su carácter. Creo que esta exposición es una forma de señalar que la tradición es capaz de convivir con innovación en el mismo territorio. Busco equilibrio entre ambas cosas y no me parece una tarea fácil, y por ello aún más interesante.

lunes, 19 de enero de 2015

Corte con EUNIZE

Eunice es la más joven de nuestras diseñadoras valencianas. Ya de adolescente se topó por casualidad con el mundo del diseño, en concreto de interiores, gracias a las revistas. Más tarde, junto a las inquietudes de su madre por la costura se sumaron las suyas propias y empezó a ver la moda como si de diseñar una habitación se tratara; encontrando estructuras formales en la ropa e intentando crear en tres dimensiones. Durante su investigación descubrió a Bibian Blue en la red y se obsesionó con esa forma reloj de arena que los corsés daban a la figura femenina. A partir de entonces empezó a desmontar prendas ya terminadas y decidió que eso sería parte esencial en su proceso creativo.

Hay muchas formas de entender y descodificar el 
mundo de la moda a través de la fotografía”

¿Cuándo y cómo tomaste la decisión de crear tu propia marca EuniZe? Meterme en el mundo de la moda con mi propia firma no es algo que me plantease en un principio. Soy consciente de que primero he de tener un título en el bolsillo, que habrán de pasar los años y coger experiencia para que alguien me tome en serio. Así que por ahora prefiero jugar con la idea de tener algo mío, propio (como un hijito) y es genial.


¿Qué materiales suelen ser tus preferidos a la hora de diseñar? Actualmente la firma está comenzando pero todo está tomando sentido y empezando a engrasarse. Los materiales son todos ya que no puedo cerrar puertas a la experimentación pero sí que es cierto que adoro trabajar con el plástico: malearlo, investigarlo y ver sus millones de aplicaciones. De todos modos quiero mejorar mucho más en la costura con tejido antes de crear algo bueno con plásticos.

¿Es difícil destacar en la moda? No me preocupa especialmente lo de destacar sino poder vivir de mi trabajo y hacerlo cada día mejor, intentar aprender al máximo y satisfacer al público que esté interesado en lo que yo les pueda ofrecer. Por ahora prefiero soñar con otras cosas y no darle importancia a eso. El mundo de la moda es mucho más amplio.

¿A través de que canales sueles dar a conocer tu marca? He empezado apoyándome en las sesiones fotográficas que hago, dándome a conocer en redes sociales e Internet en general. No hay que olvidar que sigo estudiando y formándome, no me veo todavía preparada para consolidar la firma como tal; pero veo muy positivo realizar actividades como exposiciones, ferias profesionales, venta en tiendas, etc. Aún queda mucho por recorrer.


Además de diseñadora nos han dicho que eres fotógrafa. Cuéntanos que tipo de fotografía sueles realizar. La fotografía es algo que me ha encantado siempre, tiene una forma de ver la vida diferente y cuando la analizas y te metes de lleno en ella cambia mucho tu percepción de las cosas. El concepto fotográfico actual que tengo va orientado a la moda alternativa. Hay muchas formas de entender y descodificar el mundo de la moda a través de la fotografía.

¿Cuál es tu aportación dentro del proyecto? Mi vestido estará inspirado en la década de los 50 cuando hubieron tantos cambios sociales y económicos a nivel mundial y donde existieron unos cánones de belleza femeninos muy marcados; sin olvidar la sexualidad encubierta y la feminidad en su punto álgido… Y siempre teniendo en cuenta la evolución que hemos vivido desde entonces. Busco plasmar además una mujer libre, sencilla, con formación y empleo y con unos objetivos muy firmes.

sábado, 10 de enero de 2015

Patronaje con LA MORGUE CREATIONS

Ya desde muy pequeña, a esta valenciana nacida en Ribarroja, le apasionaban todo tipo de manualidades y entre sus asignaturas favoritas siempre se encontraron las más creativas. Así que con los años, Esther March terminó desarrollando su propia personalidad a través del diseño; creciendo junto a su propia marca de moda La Morgue Creations.

“Prendas que combinan la agresividad y la fuerza con la feminidad”

¿Desde cuando te dedicas al diseño de moda? En 2005 empecé mis estudios de Patronaje a Medida y Alta Costura, pero no fue hasta 2008 cuando me decidí a estudiar Diseño de Moda. Desde entonces, he compaginado la creación de colecciones en La Morgue Creations con el diseño y confección a particulares.


¿Cuál fue el objetivo de crear La Morgue Creations? Con ella pretendo expresar mis ideas libremente y plasmarlas en prendas que combinen la agresividad y la fuerza con la feminidad.

¿Cómo definirías el estilo de ropa que creas? La Morgue Creations es una joven marca de moda de estilo gótico y heavy donde se confeccionan prendas exclusivas, pensadas para sentirse sexy y cómoda al mismo tiempo.


¿En qué te sueles inspiras para crear dentro de tu estilo? Se puede encontrar inspiración en cualquier lugar, incluso en ese pequeño detalle que de pronto te lleva a una idea genial; así sin darte cuenta. Pero puedo afirmar que la música es para mí una fuente de inspiración fundamental, que me acompaña a lo largo de todo el proceso creativo.

¿Con qué tejidos te gusta trabajar? En mis colecciones suelo combinar tejidos de algodón como el denim o el punto con la polipiel entre otros ya que se adaptan al estilo de la marca; pero a la hora de trabajar con tejidos, si son de buena calidad, todos me encantan.

¿Qué nos va a mostrar La Morgue Creations en esta exposición? Un estilo de fallera muy heavy para el que me he inspirado en el target femenino al que están dedicadas mis colecciones. 

lunes, 15 de diciembre de 2014

Selección de tejidos con INTORZO

Detrás de una de las firmas más alternativas vigentes en la escena valenciana se encuentra Mónica Tortosa Cerezo. Diplomada en Diseño de Moda por la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Valencia y de Patronaje Industrial y Moda en la Ciudad del Aprendiz, siembre buscó desmarcarse dentro de las propias corrientes alternativas. Así fue como gracias a un proyecto académico creó su propia marca: InTorzo. Desde entonces ha ido creando un universo paralelo a la realidad, con novedosas visiones en cada colección que siguen atrayendo a diferentes segmentos de mercado.

Los dedos y la vista transforman el tejido en sentimientos
que captan la personalidad de la pieza final

¿Cómo definirías InTorzo? Surge de la necesidad de separarse de los prototipos fijados por las tribus urbanas, sobretodo en los segmentos del metal y el gótico con todas sus variantes, sin perder la esencia de todas ellas. Rediseñando y fusionando varios estilos dentro de un mismo look, huyendo de los estreotipos.


¿En qué te sueles inspirar para crear tus colecciones? En todo lo que me rodea, soy una esponja de ideas y mi cabeza da mucho de sí. Tengo una gran debilidad por los videojuegos y la ciencia ficción, puntos muy marcados en mis diseños, aunque actualmente la marca se esta enfocando a un público más sofisticado y serio como puede verse en la última colección Bella Dama SadoMasoquista.

¿Dónde podemos ver estas creaciones? Facebook, Instragram (intorzo) o Youtube son algunos de las redes sociales donde está presente la marca, todos interconectados a través de la web www.intorzodesign.wix.com/intorzo.

¿En qué estás trabajando ahora mismo? Actualmente estoy sumergida en una nueva colección, además de en otros proyectos paralelos como editoriales, exposiciones o diseñando el vestuario para grupos de música.



¿Cuál es tu papel dentro de la Exposición Alternativa de Indumentaria Valenciana? Soy una de las organizadoras del evento y coordinadora de las diseñadoras, además de participar como diseñadora de una de las prendas expuestas.

¿Qué te interesa explorar dentro de la vestimenta valenciana? Personalmente me interesa investigar el tejido brocado de fallera y romper la simetría de esta indumentaria tradicional, así como mostrar las prendas interiores de la misma.

domingo, 7 de diciembre de 2014

Bocetación y diseño con ANDRA CORA

Pura vocación. La valenciana Andra Cora sintió desde su infancia una fuerte atracción hacia el ámbito artístico dirigiendo sus pasos hacia aquello que tanto interés despertaba en ella y que, con el paso de los años, evolucionó en pasión por el mundo de la moda. Tras diplomarse en Diseño de Moda en la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Valencia, se dedica al diseño profesionalmente desde el 2012 con su firma de prêt-à-couture andra cora.

Desnudando la ropa para tejer el alma, 
donde vestir es existir

¿Quién se esconde detrás de andra coraUna soñadora no irracional, con la inspiración por las nubes y la mente en la realidad. Alguien que antes de ser diseñadora, se considera creativa; un esbozo de artista cuyos pinceles se diluyen en ideas y su lienzo son las telas.


¿Cómo definirías a la mujer que viste tus diseños? Al defender una filosofía atemporal y contemporánea, universal aunque no impersonal y original pero no extravagante mis propuestas contemplan varias generaciones. Es una mujer de espíritu evocador. Segura, desafiante, decidida, activa, positiva, independiente.

¿Es muy difícil abrirse paso con tu propia firma dentro del ámbito de la moda valenciana? Los comienzos nunca fueron fáciles y conseguir dar visibilidad a tus propuestas no lo es mucho más. Hay que batallar contínuamente con aquello que pretende interponerse entre tu talento y el camino hacia el éxito, pero la satisfacción personal y el reconocimiento recibido son una adictiva inyección de ánimo. Si consigues diferenciarte y posicionar nuevos valores en el mercado, encontrarás tu espacio; una vez superado este obstáculo, lo importante es ir regando de ilusión día a día esa semilla llamada sueño.

¿A qué personalidad de la sociedad valenciana te gustaría ver con una de tus prendas? No anhelo vestir a una sola en concreto. Deseo que cualquier mujer, al lucir una prenda andra cora, se reinterprete a sí misma y descubra su verdadera autenticidad; que cuando vista uno de mis diseños se sienta embajadora de la elegancia y distinción que siempre intento imprimir en estas creaciones únicas y exclusivas.


¿Dónde podemos encontrar tus diseños? Las colecciones cápsula y atemporales de andra cora pueden adquirirse en andracora.tictail.com. Otras plataformas y tiendas online internacionales también cuentan con ediciones especiales y limitadas.
Además, a través de las redes sociales y el blog se informa de nuevos puntos de venta físicos como tiendas multimarca nacionales o participaciones en showrooms y pop-up stores.

¿Cómo supiste del proyecto y por qué te uniste a él? Tras mi paso por la EASD de Valencia quise seguir de cerca los pasos de muchos compañeros de clase, incluso de diseñadores de otras disciplinas y promociones anteriores o posteriores a la mía. Siempre me han entusiasmado las colaboraciones que han ido surgiendo con algunos de ellos a lo largo de estos años y la Exposición Alternativa Indumentaria Valenciana es uno de esos proyectos que valoro de manera totalmente positiva.
Gracias a estas maravillosas locuras se consigue atraer nuevas miradas que observan con detenimiento tu propuesta y que a su vez comunican un particular conjunto de nuestra visión de la moda, haciendo de la misma un mensaje más sólido y creíble.

martes, 18 de noviembre de 2014

Inspiración con ANA Y EL ARTE

Jóvenes creadoras nacidas y/o residentes en la Comunidad Valenciana, con estilos y técnicas variopintas, nos hemos inspirado en la indumentaria valenciana del siglo VXIII para dar vida a una revisión tan única como exclusiva. 
Y mostrándoos los entresijos del proceso creativo, queremos presentaros una a una a las diseñadoras que van a hacer posible la EXPOSICIÓN ALTERNATIVA DE INDUMENTARIA VALENCIANA que tendrá lugar del 6 al 31 de marzo de 2015 en el barrio Ruzafa de Valencia. 


Comenzamos con Ana Mª Guiot Miquel, considerada la artista del grupo por su formación académica: estudió Bachillerato Artístico en el Instituto Tirant lo Blanc de Torrent (Valencia) para después licenciarse en Bellas Artes en la UPV Universitat Politècnica de Valencia. Sin duda aportará la interpretación más poética a esta sorprendente visión de la indumentaria valenciana.

Mirada delicada entre flores y bordados, mis dedos perfilan
delgadas y sinuosas lineas en el papel

¿Como artista, cuándo empezaste a sentir curiosidad por el mundo de la moda? La moda nos define, marca estilos y etapas en nuestra vida. Eso me ha llamado siempre la atención, sobre todo los vestidos de corte romántico.


¿Cuál ha sido tu primera colaboración dentro del diseño de moda? Ésta es mi primera colaboración, mis anteriores participaciones han sido como pintora.

¿Cuáles son los demás proyectos a los que te sueles dedicar? Durante la facultad realicé numerosas exposiciones colectivas de pintura. Tras pasar esa etapa de formación, he realizado exposiciones individuales para hacer llegar al público mi obra ya que esa es la parte que más me inspira: hacer sentir a través de mis lienzos y pinturas.

¿Qué crees que puedes aportar en el grupo de diseñadoras? Una visión diferente, utilizando prendas de vestir como lienzos móviles. Creo que puede dar una nota artística interesante.



¿En qué te has inspirado para la exposición? Mi participación en esta interesante exposición parte del vestido de fallera y yo lo relaciono con el estilo hippie, por su sencillez y dulzura.

¿Qué nos vas a mostrar en la exposición? Mi diseño está inspirado en el estilo hippie unido a los motivos vegetales de los trajes de fallera y consta de tres prendas. 
La primera es un vestido de amplia caída que se ciñe en la cadera y de mangas asimétricas; el color de esta prenda es un beige suave, traslúcido y con pequeños motivos dorados que se repiten. La segunda es un corsé emballenado, con uniones desiguales; de tejido regional en azul de Prusia y bordados dorados, rojos y verdes. Y por último, un delantal de lino con forma ovalada que deja entrever el bajo del vestido; además esta pieza cobra la función de lienzo: en él he pintado medio rostro de mujer en colores vivos donde destaco la dulzura de su mirada y la rodeo de delicadas flores.